Laissez durer la nuit

La nuit tombe. Cinq femmes échangent les récits de leurs vies traversées par l’exil, le deuil, la souffrance, la nécessité de faire mémoire et l’élan d’insurrection. Un flot de lamentations dans la persistance d’une seule nuit. Elles pleurent la mort, la distance, la guerre et les multiples visages de la perte: catastrophes naturelles, désastres environnementaux, disparition des langues, interdiction des cultures.

Dans un geste collectif de sororité, ces voix se répondent, se soutiennent et transforment la parole partagée en un acte de résistance. Une capacité d’agir émerge du deuil, nourrie par une colère ancestrale, une colère née non de la haine, mais de la lucidité et du refus.

Elles portent en elles des histoires, les tenant près du cœur, précieuses, avec toute la souffrance qu’elles contiennent. Une douleur qui traverse le corps mais qui ne paralyse pas. Par le deuil, elles invoquent un futur fait de compréhension et de force.

Nous pouvons faire la paix. Nous pouvons reconstruire un monde, conscientes de ce qu’il ne doit plus être, et portées par l’espoir de ce qu’il peut devenir.

«Laissez durer la nuit» tisse un dialogue singulier entre pièces baroques, chants traditionnels du Kurdistan et d’Anatolie et musique électronique. Le chant oscille entre le lyrisme de la musique baroque et l’expressivité saisissante des répertoires traditionnels.

L’orchestre se mêle aux basses et aux sons électroniques, tissant des textures sonores uniques. 

Dans l’obscurité, un écho nous relie aux nuits de celles et ceux qui furent nous, qui furent avant nous et dont les voix résonnent encore. On danse dans l’éternité de la nuit. On marche vers le jour à venir. Après nous, qui chantera?

Julia Deit-Ferrand / Raphael Jacobs

Julia Deit-Ferrand et Raphael Jacobs à propos de «Laissez durer la nuit»

Comment ce projet est-il né?

Julia: Ce projet a vu le jour il y a trois ans. À la fin de mes études, j'ai reçu le «Prix Fritz Bach» de la Haute École de Musique de Lausanne qui m'a permis de réaliser une performance intitulée «Laissez durer la nuit». Cette première version associait musique baroque, musique électronique et chants traditionnels. D’ailleurs, Marie Delprat qui joue dans notre production actuelle était déjà aux électroniques. 
Dieter Kaegi a découvert une vidéo de cette performance sur Internet et m'a proposé de la transformer en pièce de théâtre musical. La grande nouveauté consistait à intégrer l'orchestre et à créer une mise en scène pour conférer à la pièce un caractère plus opéra-tique. Nous avons travaillé à la composition du fil dramaturgique et musical de l’ouvrage: Raphael et moi-même, Emily Hehl, notre cheffe d'orchestre Gabriella Teychenné et Eylül Nazlîer qui chante et performe sur scène, mais écrit aussi ses propres pièces. Ensemble, nous avons imaginé comment faire dialoguer les chants baroques et les musiques d’Anatolie et kurdes, ces derniers jouant un rôle important dans la pièce.

Raphael: Nous avons par ailleurs développé plusieurs grandes sections dans lesquelles nous avons divisé l'ensemble: des chapitres tels que la tombée de la nuit, la solitude, la mort, le lamento, la communauté, la résistance... Nous les avons choisis ensemble, avons discuté de la manière dont tout pourrait se dérouler, notamment à l'aide d'inspirations visuelles pour la composition des images scéniques que nous avons échangées.

Julia: Et puis la question s'est posée: comment transformer cela en mise en scène?

Raphael: Comment cela se traduit-il dans un opéra? C'est à la fois performatif et réel, riche en images qui véhiculent des émotions et se cristallisent dans des moments authentiques. Ce voyage à travers la nuit explore les différentes nuances du deuil, un sentiment intense sous toutes ses formes, une solitude extrême.
Ces thèmes sont très présents, tant dans la musique kurde que dans la musique baroque. Dans les deux, chacune à sa manière, le sentiment de tristesse est exploré avec une grande profondeur. Il est important de laisser d'abord s'exprimer cette douleur et ce désespoir. Cependant, il ne faut pas s'y enliser, mais plutôt se confronter au change-ment, à une transformation possible, et les mettre en œuvre. Nous souhaitions que les femmes de la nuit, puissent développer leur propre voix, mais aussi trouver une voix en tant que communauté.
Pour chaque personnage, nous partons d'un point de vue très différent et nous nous demandons comment les individus peuvent se rassembler en une société, en une communauté. Quelles valeurs, quelles idées, quels changements parfois extrêmes sont nécessaires, quelles expériences tous partagent. Tous partagent une même sensation d’impuissance face au deuil, à la douleur, tous partagent l'expérience d'une perte bouleversante. C'est précisément en ces points qu'ils se rejoignent et constatent qu'ils ne sont pas seuls. Cela leur donne une nouvelle énergie, le courage de s'accepter, d'être bienveillant·e·s les un·e·s envers les autres, de traverser ces émotions profondes et de les porter en eux·elles sans les nier.

Julia: Un point commun a très vite surgi entre la musique baroque et le dengbêj, le genre musical pratiqué par Eylül: le lamento. C’est un chant exprimant la douleur qui a ici pour thème la perte d’un être cher, la souffrance liée à l'exil, la terre que l’on a quittée... 
C'est de cette recherche autour d’un lamento commun que nous sommes parties. Des plaintes individuelles qui se font écho et peu à peu s’unissent pour aboutir à un processus de résistance.

Raphael: Mais il ne s'agit pas seulement de combiner des styles musicaux, mais aussi d'associer, à travers la musique folklorique sélectionnée, les langues d'une région fortement marquée par les conflits. Il n’est pas évident de réunir sur une même scène le turc et le kurmandji, mais surtout le zazaki.

Julia: Le kurmandji et le zazaki sont deux des dialectes kurdes qui sont présents dans notre pièce. Ils sont très différents. Cependant, alors que le kurmandji est encore assez répandu, le zazaki, qui est le dialecte d'Eylül, est en voie de disparition et est protégé au patrimoine culturel immatériel de l'UNESCO. Avec la création de la nation turque, il a longtemps été interdit aux Kurdes de parler kurde. Ces chants ont donc une grande importance en tant que vecteurs de la mémoire collective.

Raphael: Dans ce contexte, on peut affirmer que les médias, en particulier les enregistrements audio, sont bien sûr extrêmement utiles pour documenter et préserver les traditions. Toutefois, cela modifie également la nécessité de la transmission orale, qui est à l'origine l'essence même de cette culture immatérielle. Eylül s'engage fortement à enregistrer et à collecter les chants classiques, mais aussi à les apprendre et à les interpréter en direct.

Les textes revêtent une importance particulière...

Raphael: Oui, et cela s'applique à tous les styles. C'est très différent du répertoire standard, avec un livret fixe et une musique prédéfinie. Julia et moi avons travaillé intensément à la traduction précise de tous les textes des pièces, car ils ont une importance considérable pour notre travail scénique et pour la direction des personnages sur scène. Il s'agit de comprendre comment, dans une communauté matriarcale telle que celle que nous trouvons sur scène, les anciens textes baroques peuvent être lus avec un œil neuf et traduit dans le langage d'aujourd'hui. Parallèlement, les chants d’Eylül apportent un enrichissement supplémentaire grâce aux textes additionnels: l'ancien lamento se mêle aux témoignages des chanteuses et au répertoire dengbêj. La musique baroque traite de sentiments tels que l'amour ou la perte de la paix. Cependant, nous y ajoutons également une perspective sur la nature, les catastrophes et l'environnement. Avec Eylül, nous avons l’énorme chance qu'elle fasse preuve d'une grande flexibilité dans son approche des textes, en y intégrant de petites histoires, en particulier des paroles de chansons de femmes issues de la tradition dengbêj. Elle modifie ainsi le matériau musical, qui serait autrement interprété de manière peut-être plus traditionnelle.
Nous souhaiterions donc mettre davantage l'accent sur les textes, car ils constituent l'âme de la pièce. D'autant plus que la traduction nous permet véritablement d'exprimer notre point de vue. En considérant les choses sous un angle nouveau, nous revisitons également la poésie baroque dans ce contexte précis, avec notre regard inclusif et notre conception de la cohabitation. Nous observons à travers nos protagonistes et avec eux, pour finalement spéculer sur la manière dont nous souhaitons cohabiter à l'avenir. Pour cela, il est important de considérer la musique et le texte comme des langages à part entière et l'expérience comme le résultat d'un moment multidimensionnel qui est plus que la somme de ses parties.

Julia: D'ailleurs, le travail sur les textes des surtitres a été un long processus. Nous souhaitions trouver une langue commune, aussi différentes que soient les langues originales des pièces.  

Traduire les textes de manière adéquate représente naturellement un défi de taille.

Raphael: Oui, car le dengbêj présente de nombreuses facettes différentes dans son langage imagé et son style, ainsi que de nombreuses métaphores culturelles qui ne sont pas immédiatement compréhensibles pour les personnes extérieures, mais qui peuvent constituer une grande source de contemplation poétique pour le public. Ces métaphores montrent également clairement que les chants ont été transmis pendant très longtemps et sont presque utilisés comme une forme d'écriture de l'histoire.

Julia: Il y a des thèmes récurrents tels que les références à la douleur ou à la mère. Le soupir «Ô ma mère, ô ma mère» revient par exemple souvent.

D'où provient le titre de la pièce «Laissez durer la nuit»?

Julia: C'était le titre de ma performance à Lausanne et on a choisi de le garder. C'est une pièce du compositeur baroque Sébastien Le Camus, qui fait également partie du spectacle.

Raphael: «Laissez durer la nuit» exprime si bien tout cela. Malgré tout, tu souhaites que la nuit reste, car elle n'est pas seulement la fin d'une journée, elle est aussi une obscurité oppressante dans notre monde de pensées, et nous nous sommes rencontrés, liés, reconnus mutuellement dans ce sentiment de deuil partagé. Même si, après avoir surmonté la douleur et la solitude, tu t’abandonnes à la cohésion d'une communauté en formation et en pleine croissance, avec un profond soulagement et une grande joie, tous brûlent alors de cette connexion, de cette sororité. Tu souhaites préserver ce sentiment. «Laissons durer notre histoire commune».

Gabriella Teychenné, Eylül Nazlîer et Marie Delprat à propos de «Laissez durer la nuit»

Comment est née la collaboration entre les trois univers musicaux?

Gabriella: Au départ, l'idée restait assez générale sur le plan musical: il s'agissait de combiner musique baroque, électronique et folklorique traditionnelle pour une pièce de théâtre musical autour du thème de la nuit. Pour la partie baroque, nous disposions d'un vaste répertoire dans lequel puiser. Nous nous sommes réuni·e·s, avec Julia et l'équipe de mise en scène, pour passer en revue une grande quantité de musique. Pendant plusieurs jours, nous avons sélectionné les morceaux qui conviendraient le mieux. Ce qui est particulièrement beau, c’est qu'il s'agit d'une création, dans laquelle les aspects théâtraux et dramatiques sont étroitement liés à la musique.

Eylül: Je m’occupe des contributions à la musique kurde. Je chante et je joue du saz, un luth traditionnel à long manche, très répandu dans la musique kurde et turque. J’interprète également un rôle sur scène. Au début, tout était nouveau pour moi: je n'avais encore jamais participé à un opéra, c'est une façon très différente de faire de la musique et de chanter. Mais, je m'y suis rapidement habituée, me suis immergée dans l'histoire et j'ai trouvé mes chansons. Dès le départ, il était important pour moi qu’il s’agisse d’un dialogue entre l'Occident et l'Orient. Toi et moi, nous nous rencontrons, et un nouvel espace, porteur d’une nouvelle énergie, voit le jour.

Gabriella: Sans trop en dévoiler, le premier morceau de la soirée est une chanson populaire suisse. Nous voulions ainsi mettre en relation la musique folklorique occidentale avec la musique kurde et turque, même si les styles sont très différents.

Marie: Mon travail est lui aussi multiple: il englobe la composition et le live-electronic, ce qui veut dire interpréter de la musique électronique en direct, et tout comme Eylül je suis également sur scène aux côtés des chanteuses d'opéra en tant que «voix dans la nuit». Il y a quelques mois, j'ai reçu les partitions des morceaux baroques, et il s'agissait alors de définir les interventions de la musique électronique. Là on ne peut pas improviser, car l'autre musique n'est pas improvisée non plus. Tout doit donc être minutieusement préparé. Il y a des indications très précises, des «cues» (entrées), coordonnées avec Gabriella.

Quelle musique avez-vous finalement retenue?

Gabriella: Les morceaux ont été sélectionnés, pas seulement selon des critères musicaux, mais aussi en fonction de leur cohérence dramaturgique dans l’ensemble de la production. J'ai veillé à créer un équilibre entre styles, origines, tempos et atmosphères. Nous avons des compositeurs connus comme Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Haendel ou Henry Purcell, mais aussi Hildegarde de Bingen ou la compositrice italienne Barbara Strozzi. Il y a même un morceau du XX^e siècle, un extrait de la «Trauermusik» (Musique funèbre) de Paul Hindemith, manifestement fasciné par la musique baroque. Toute cette musique est si merveilleuse qu'elle se suffit à elle-même, qu'elle soit d'origine sacrée ou lyrique.

Eylül: Ma musique se compose de chants traditionnels des dengbêj et de mes propres compositions. Les dengbêj sont très importants pour la culture kurde, car notre histoire ne s’est pas transmise par l’écrit, mais par ces chants. Il en existe pour toutes les situations: l'amour, la guerre, et bien sûr la nuit et tout ce qui y est lié. J'ai également écrit une chanson spécialement pour cette production.

Gabriella: Après le choix des morceaux, l’étape suivante a été celle des arrangements. On m'a imposé une instrumentation définie, ce qui a nécessité passablement d’arrangements, car l'orchestre devait aussi disposer d’instruments à vent en bois. Toutefois, la plupart des morceaux baroques sont écrits à l'origine pour cordes avec continuo. Je souhaitais intégrer les bois de façon qu'ils ne se contentent pas de doubler les cordes, mais qu'il s'agisse d'une véritable orchestration. J'ai donc non seulement ajouté des bois, mais j'ai également réarrangé et réécrit une partie de la musique. Par ailleurs, nous disposons d’un continuo complet avec orgue et luth, ce qui confère une sonorité baroque très authentique. À cela s'ajoute l'électronique comme instrument à part entière, ainsi que le saz d'Eylül.

Marie: Lors de plusieurs sessions avec Janiv Oron, j'ai préparé les samples utilisés dans la pièce. Il possède de grands synthétiseurs très spécifiques qu’on ne peut pas emporter facilement au théâtre, car ils sont trop lourds. Nous avons ainsi enregistré différents samples que j'ai transférés sur mon ordinateur pour les utiliser selon les besoins, individuellement ou simultanément, en boucle ou selon les exigences.

Comment avez-vous coordonné tout cela?

Gabriella: Il était essentiel d’éviter une juxtaposition de blocs séparés. Le baroque, l’électronique et la musique folklorique devaient s’entrelacer pour former une œuvre cohérente. Il fallait que cela fonctionne comme un tout et non comme une succession de morceaux. J'ai donc composé des transitions permettant une fluidité entre les morceaux. Cela a été très passionnant, car j'ai pu y intégrer des éléments contemporains. Ces transitions sont plutôt modernes et non strictement baroques. Mais nous utilisons souvent la musique électronique à cette fin, notamment lors des passages entre musique folklorique et baroque.

Marie: Dans la musique électronique, on ne s’appuie généralement pas autant sur la théorie musicale. Mais ici, je dialogue avec une musique écrite et composée, ce qui implique que la partie électronique soit elle aussi composée. Elle se base sur les tonalités autour de nous: la tonalité vers laquelle on va ou de laquelle on vient. Il s'agit souvent de petites transitions d'une minute environ, de véritables miniatures. Mais au-delà de cela, il y a aussi plusieurs parties communes avec l'orchestre. En répétitions, je place un micro dans l'orgue pour capter son signal, auquel je peux ensuite appliquer des effets. Je pro-cède de la même manière avec le saz, et je travaille aussi avec la voix de Julia.

Eylül: De mon côté, j'ai d'abord dû m’approprier le langage sonore de la pièce. Au début, je me concentrais entièrement sur ma propre musique. Mais peu à peu, nous nous sommes accordées, et après environ une semaine, j'ai commencé à écouter davantage les autres, la musique électronique et le chant, tout en jouant du saz. J'ai ainsi modifié progressivement ma manière de jouer, car une nouvelle énergie émanait de ces univers.

Gabriella: Eylül et Marie ont chacune leur style bien particulier. Nous avons discuté en-semble de certains paramètres fondamentaux, comme la durée d'un morceau ou d'un passage, ou encore la tonalité. Pour le reste, je leur ai laissé une grande liberté, en me considérant comme celle qui assure la cohésion de l’ensemble.
 
Cette collaboration semble bien fonctionner...

Gabriella: Oui, très bien, y compris sur le plan technique. La musique baroque est très mathématique et rythmée, tout comme la musique folklorique et la musique électronique. Ces musiques restent souvent dans une même tonalité et ont une structure claire.

Eylül: Et nos histoires ne sont pas si différentes. Les émotions sont les mêmes. Tu es une femme, seule dans la nuit, tu ressens ces moments de solitude, et soudain, elle devient douloureuse. Mais nous nous retrouvons et peu importe alors la religion ou la langue que nous parlons. Nous construisons ensemble un nouveau monde dans lequel nous chantons et créons ensemble. Sans guerre et sans nous opposer.

Notre pièce met les femmes au centre, alors qu’une grande partie de la musique ba-roque a été composée par des hommes. Est-ce aussi le cas pour la musique folklorique?

Eylül: Pas tout à fait. La musique provient à peu près à parts égales d’hommes et de femmes. Tout au long de l'histoire et partout dans le monde, les femmes ont également beaucoup créé, elles ont chanté, écrit, mais cela a souvent été dissimulé ou réprimé par les hommes. Pourtant, même si une chanson a été écrite par un homme, elle acquiert ma force et ma personnalité dès que je la chante. Je me tiens à égalité. Cela me va, car il y a une histoire derrière tout cela. Aujourd’hui, de nombreuses femmes fortes interprètent des chants du passé, du présent et, espérons-le, du futur. Nous essayons de faire évoluer les mentalités.

Gabriella: Les trois niveaux musicaux sont parfois étroitement liés. À un moment clé, on entend un lamento polyphonique accompagné par l'orchestre, mais entre les différents passages, Eylül chante sa propre chanson, et la musique électronique reste présente en arrière-plan. C'est ainsi que tous les éléments s'assemblent. Mais j’apprécie aussi énormément que chacune puisse travailler de manière autonome.

Marie: Pour moi, c'est aussi un retour aux sources, puisque j’ai étudié la musique baroque avant de me tourner vers la musique électronique.

Eylül: Je viens de la tradition kurde et j'ai mon propre public, qui n'écoute généralement pas d'opéra. À l'inverse, le public de l'opéra connaît peu la musique traditionnelle. Nous les réunissons pour dire: «Regardez, écoutez, cela existe aussi.» Car la musique est universelle.