HAMLET TRÄUME

Traumspiel

Bei einem Traumspiel ist die Handlung nicht realistisch und logisch, sondern ähnlich wie ein Traum aufgebaut. Orte und Handlung können sich plötzlich und unerklärlich verändern, und Figuren wirken ausfransend, offen und wunderbar versponnen. Auch die Zeit verschiebt sich ständig: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft gehen ineinander über und verschmelzen miteinander.

Häufig verschwimmen scheinbar unverrückbare Grenzen, geradlinige Geschichten lösen sich auf und machen Platz für überraschende Wendungen, Bilder und Stimmungen. Dadurch rücken vor allem Gefühle, Wünsche und innere Konflikte in den Vordergrund.

Doch auch Witz, Schalk und Leichtigkeit erwachen in diesen Traumspielnächten. So entsteht eine eigene Theaterwelt, die nicht immer alles erklärt, sondern dazu einlädt, sich auf Spiel und Verspieltheit einzulassen.

3 Fragen an Regisseurin Mélanie Huber

«HAMLET TRÄUME» bezeichnen wir auch als Traumspiel, warum? 
In «HAMLET TRÄUME» geht es um jene schlaflosen Stunden, wo die Zeit still zu stehen scheint und Ängste und Wünsche der Gegenwart aufschwappen und Gespenster wiedergängern; um dieses Gefühl, wenn mich eine Sorge, ein Fehlgriff, eine Erinnerung oder ein unschöner Gesprächsfetzen einholen und nicht loslassen. Das ist dann rasch unheimlich und aufreibend. Und oft frage ich mich: Geht es nicht mehr weiter? Erstarre ich jetzt? Bin ich nun plötzlich mir selber überlassen?

Auch die Figuren des Stücks arbeiten sich zur nächtlichen Stunde an ihren Geschichten ab, sie aufs Neue durchlebend in der Hoffnung, Geschehenes ungeschehen zu machen und umzuschreiben… Da ist König Klaudius, der den begangenen Mord panisch, wieder und wieder, schlaflos durchlebt oder Ratsherr Polonius, der sich nur nachts und heimlich zu schluchzen getraut.

Aber da blitzen auch stille, poetische Momente auf, wo plötzlich alles durchsichtig wird und uns eine befreiende Klarheit befällt. Es gibt Stunden, in denen Ophelia sich offen ihre Liebe zu Hamlet gesteht, ihn mit all seinen Fehlern und Eigenheiten beschreiben kann oder Hamlet, der sich wieder an einen Wortfetzen seiner Mutter Gertrude aus der Kindheit erinnert …

Worauf kommt es dir bei der Erarbeitung der Inszenierung an? 
Ich lasse zu, dass die Unsicherheit und gar Orientierungslosigkeit, die ich verspüre, wenn sich Neues, Unbekanntes anbahnt, wenn ich sicheres Terrain verlasse, in die Regie einfliessen kann. Ich brauche das als Massstab, will dieses Schwanken auf der Bühne nicht leugnen oder wegglätten. Wie bin ich, wer bin ich, wenn endgültiger oder hoffnungsloser Abschied bevorsteht? Wenn ich mich verliere oder merke: «So, jetzt stehst du aber so was von neben dir!»

Diese Uraufführung baut auf Gefühlen und Befindlichkeiten auf, die mich beschäftigen, jenseits von Zynismus. Und wehe, wenn mich die überstarken Gefühle überrollen! Aber – vor allem! – auch: wie gut es sein kann, wenn mich das dann tatsächlich einfängt und zu etwas Neuem bewegt.

Der alte Hamletstoff ist brutal, das Hadern und Zugrunde-Gehen der einzelnen Figuren erschreckt manchmal. Doch dieses Stück von Stephan Teuwissen schafft es, neue, versöhnliche Töne einzuflechten. Da gibt es nicht nur den grausamen Witz, sondern auch eine leichte, zärtliche Komik.

Ich verstehe Hamlets Rastlosigkeit, seine unbändige Lust am Ausloten von Grenzen. Ich kenne – und fürchte! – das Gefühl, um das Wort «Liebe» herumzukreisen, aufgeregt und gleichzeitig oft so unfähig, es auszusprechen.

Ich beneide Gertrude um ihre Nonchalance, erschrecke dann aber darüber, wie gut ich mich in ihr erkenne, wenn sie mit Tunnelblick ihre Ziele verfolgt. Und – ungerne – erahne ich langsam, wovon Polonius, Clownmagister und Alleinunterhalter, spricht, wenn er mahnt: «Hüten Sie sich vor der Zeit …»

Zum Glück begegnen wir hier auch Ophelia, die mir oft aus der Seele spricht und eine grossartige Direktheit und Offenheit an den Tag legt. Sie ist in diesem Stück kein Opferlamm. Sie bringt Hoffnung und Ausblick. Und das ist wohl die Essenz: Sie legt mir nahe, auch Versöhnlichkeit anzustreben – gegenüber dem, was war, und offen zu bleiben für das, was noch kommt.

Liebe und das Unvermögen zu lieben, Abschied und Loslassen sind grosse Themen, gewiss. Aber sich daran abzuarbeiten, tut nicht nur weh, sondern auch gut.

Natürlich konnten Fabian und ich diesen emotionalen Text nicht erarbeiten und dabei kühl und sachlich bleiben. Auf den Proben wurden gelegentlich auch ganz persönliche Erlebnisse, Erinnerungen ausgetauscht, und wir sind in die heftigen Stimmungen des Stückes eingetaucht. So konnte ein gegenseitiges Vertrauen entstehen, das das Stück von uns abverlangt. Diese Nähe ist in die Szenen hoffentlich eingeflossen. Humor kam dabei nicht zu kurz, wir haben als siebenköpfiges Team oft gelacht, manchmal weil uns die Emotionalität zu intensiv wurde ...

Was ist die Herausforderung an diesem Monolog?
Grundsätzlich ist bei jedem Monolog die Einsamkeit des Spielenden vorprogrammiert. Eine Person muss alles alleine stemmen, sowohl in der Probe als auch in der Pause, da sind keine Mitspielenden da, mit denen man interagieren kann, oder auch mal über die Regie lästern (lacht) … Die ganze Aufmerksamkeit und Spannung alleine zu tragen, verlangt schon einen psychischen und physischen Kraftakt.

Bei diesem Monolog gibt es allerdings noch andere Herausforderungen: Dieser Text ist ein Mosaik, keine einfache, geradlinige Geschichte. Die Szenen kommen teilweise wie freistehende Vignetten daher, bilden ein Bouquet. Fabian muss zudem mehrere Rollen (teilweise gleichzeitig!) spielen. Dies ist kein Stück, das wir «bauen» können, sondern wir müssen uns von ihm «finden» lassen. In den Proben bedeutet das, Zusammenhänge nicht zu früh festzulegen und auszuhalten, dass wir manches zunächst noch nicht verstehen oder auch nicht bis im letzten Detail verstehen müssen. Das braucht Nerven und grosses, gegenseitiges Vertrauen. Der Weg gleicht für mich als Regieführende daher eher einer Entdeckungsreise als einer Choreographie. Das ist intensiv, aber auch abenteuerlich und inspirierend.

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